Program 2019



OSA Festival 2019
>>> Open Source Art Festival 2019 <<<
>>> 20-22 września 2019 <<<

>>> Państwowa Galeria Sztuki <<<
>>> Sopot Centrum <<< | >>>Wydarzenia towarzyszące <<<
>>> Zrealizowano przy pomocy finansowej Miasta Sopotu <<<
OSA Festival to cykl koncertów zaawansowanej muzyki elektronicznej i projektów multimedialnych. Podczas trzech dni wystąpią artyści z USA, Wielkiej Brytanii, Niemiec, a także przedstawiciele lokalnej sceny muzycznej. Koncerty i pokazy odbędą się w Państwowej Galerii Sztuki, instalacje i pokazy filmowe w Centrum Sopotu.

Motywem przewodnim dziewiątej edycji jest „Przestrzeń i materia”. 

Zaproszeni zostali kompozytorzy i artyści, którzy w swoich pracach posługują się dźwiękiem i czynią to w twórczy oraz innowacyjny sposób. Technologicznej zręczności towarzyszy świadomość estetycznego i krytycznego potencjału nowych mediów, które pozwalają nie tylko przekroczyć granice gatunkowe i stylistyczne, ale także rozświetlić sztukę i muzykę na nowe znaczenia.

PROGRAM

20.09.2019

Państwowa Galeria Sztuki
21:00 - Julien Desprez present Acapulco Redux
22:00 - Robert Curgenven & Kat McDowall present AGENESIS
23:00 - xin

21.09.2019

Państwowa Galeria Sztuki
21:00 - Mike Majkowski
22:00 - Goncalo Penas
23:00 - Jung an Tagen + Rainer Kohlberger

22.09.2019

Państwowa Galeria Sztuki:
20:00 - Rites of Fall
21:00 - Thomas Ankersmit
22:00 - Kali Malone + Rainer Kohlberger

Bilety / Karnety:- 50 pln - jednodniowy bilety na koncerty w Państwowej Galerii Sztuki (limitowana ilość biletów dostępna na wejściu),
- 120 pln - karnet na 3 dni: – w sprzedaży online od 12.08.2019

Wydarzenie:
https://www.facebook.com/events/1397042460434793

20-22.09.2019
>>>Wydarzenia towarzyszące <<<
>>> Sopot Centrum <<<

Norman Leto – pokaz filmu pt. Photon Seanse:
20.09 godzina 18:00
21.09 godzina 18:00
22.09 godzina 18:00

Wydarzenie:
https://www.facebook.com/events/488819181917360/

DERUBA – instalacja 
20.09 godzina 18:00 – 22:00
21.09 godzina 18:00 – 22:00
22.09 godzina 18:00 – 22:00

Lokalizacje:Państwowa Galeria Sztuki w Sopocie | Plac Zdrojowy 1, Sopot
Sopot Centrum | ul. Dworcowa 7, Sopot
Organizator:Kolonia Artystów
Współorganizator:Państwowa Galeria Sztuki w Sopocie
Partnerzy:Sopot Centrum
ON LEMON/ TO NIC
Flora Muzyka
Wsparcie techniczne:Luminaris - Wsparcie wizualne
Sound Support Pro / Funktion-One (Official)
Patronat medialny:Gazeta Wyborcza / Co Jest Grane24
NOTES.NA.6.TYGODNI
Glissando
PROGREFONIK
Nowe idzie od morza
Radio Kapitał
trojmiasto.pl
CRANE+

Julien Desprez present Acapulco Redux

Projekt który Julien Desprez zaprezentuje podczas 9 edcji OSA Festival to Acapulco. Rodzi się z koncepcji: odkrywanie formy muzycznej sposobnej do przyjmowania i ożywiania wszystkich dźwięków, z dowolnej dziedziny lub estetyki muzycznej. Ten pomysł dał początek powstania solo na gitarze elektrycznej, które powoduje zderzenie różnych elementów dźwiękowych. Niekonwencjonalne podejście do gitary zostało stworzone poprzez połączenie gry manualnej na instrumencie w połączeniu z pracą nóg na pedałach. Ciało, materia i przestrzeń stały się w ten sposób centralnym punktem artystycznych poszukiwań Acapulco. Aby rozszerzyć estetykę Acapulco, zdecydowaliśmy się na radykalne oświetlenie: trzy bardzo mocne i reaktywne białe LEDy  wspierają muzyczny show. Julien obsługuje te trzy lampy za  kontrolerów   bezpośrednio ze sceny. Wszystkie kontrolery- muzyczne i świetlne – są rozrzucone na scenie, aby stworzyć różne przestrzenie, głębokości i perspektywy, a także zmusić artystę do poruszania się. Muzyka bez uwzględnienia miejsca w przestrzeni staje się nie do pomyślenia. Wszystko jest połączone. W tej nowej fazie projektu Julien gra na urządzeniu, które stawia dźwięk, przestrzeń i światło na równi. Granice show są nieco przesunięte, a perspektywy są zwielokrotnione. Napięcia, zerwania, wstrząsy – bez względu na to, z czego się składają – tworzą osobliwą czasoprzestrzeń.
https://www.youtube.com/watch?v=dqiozGrJYmQ

Robert Curgenven

jest australijskim kompozytorem  tworzącym muzykę ambientową. Mieszka w Kornwalii. Jego praca obejmuje pracę nad zjawiskiem rezonansów wytwarzanych poprzez gramofony i harmonicznych instrumentalnych brzmieniach gitary. W swoich projektach muzycznych wykorzystuje fizyczne właściwości dźwięku i to nie tylko fizyczne oddziaływanie na ciało, ale sposób, w jaki dźwięki mogą kształtować nasze postrzeganie przestrzeni i upływu czasu. Podczas OSA Festival 2019 wystąpi razem z Kat McDowall, prezentując najnowszy projekt pt.  AGENESIS
Bandcamp: https://robertcurgenven.bandcamp.com

xin

to berliński artysta, pisarz i muzyk. Wniósł wkład w kompilacje na temat Genome 6.66mbp, Intruder Alert i AN BA, a ich pierwsze solowe wydawnictwo, Shock the Sky and Shake the Earth, pojawiło się dzięki Subtext Recordings zeszłej wiosny. EP jest dostępny za pośrednictwem Bandcamp, Resonate i innych niezależnych platform.
Soundcloud: https://soundcloud.com/xxxiiinnn
Bandcamp: https://xxxiiinnn.bandcamp.com
Website: https://www.xxxiiinnn.net

Mike Majkowski

to producent muzyki solowej, znany z m.in. zespołu Lotto. Jego albumy, opisane jako „nieco nikczemne, jeśli nie wręcz zdradzieckie” (Tiny Mix Tapes), „piękne rozmycie” (ATTN:Magazine) i „całkowicie wciągające ” (Boomkat). Ostatnio skupia się na wykorzystaniu instrumentów elektronicznych i tak też będzie występował na koncercie podczas OSA Festival 2019. Warstwy rezonansu. Puls. Nieruchomy. Nowa plyta solowa Majkowsieko „Between Seasons” wydana przez Endless Happiness.
https://m.youtube.com/watch?v=Vx9bupE7SuU
Soundcloud: https://m.soundcloud.com/mikemajkowski

Goncalo Penas

debiutancki album „Ego De Espinhos” wydał w berlińskiej wytwórni Subtext, która jest znana już odbiorcą OSA Festival eksploracją elektroniki za pomocą niszczycielskich dźwięków. Płyta jest katartycznym rezultatem wysoce introspektywnego procesu. Kształtowany przez przeciwstawne siły i instynkty, LP porusza tematy intymne, ale jednocześnie wszechobecne. Splendor staje w obliczu zniszczenia; id konfrontuje się z super-ego. Ego De Espinhos, stworzony wyłącznie z instrumentów cyfrowych zaprojektowanych i zbudowanych przez artystę, jest wynikiem improwizacji Penasa. Utwory takie jak „Introdução, Umbigo” i „Tecto Falso” zostały nagrane w jednym ujęciu i świadczą o surowej, dramatycznej palecie emocji.
Bandcamp: https://goncalopenas.bandcamp.com/album/ego-de-espinhos

Jung An Tagen

twórca, którego muzyka ma w sobie coś ekstremalnego. Jego poprzednia płyta „Agent Im Objekt” to coś pomiędzy minimalistyczną kompozycją a rytualistycznym techno. Podczas OSA  Festival 2019 Jung An Tagen zaprezentuje najnowszy materiał “Proxy States” w formie audiowizualnego widowiska. To jego najbardziej sformułowana próba połączenia nowoczesnych technik kompozytorskich z rytualistyczną estetyką techno. Tutaj pojawia się jego obsesja na punkcie budowania narracji, tworzy nowe ścieżki i tekstury wokół swoich „zakaźnych” bitów. Dzięki tej strukturze Jung An Tagen rozwija emocjonalny związek między powtarzaniem a dysonansem.
Bandcamp: https://jungantagen.bandcamp.com

Rainer Kohlberger

to pochodzący z Austrii artysta wizualny i reżyser, który na co dzień mieszka w Berlinie. Jego praca opiera się głównie na kompozycjach algorytmicznych o redukcjonistycznej estetyce inspirowanej interferencjami oraz powierzchnią obrazu. Równie istotna pozostaje warstwa dźwięku, która fascynuje go jako poczucie nieskończoności – jako ostateczna abstrakcja i rozmyte pojęcie. W swoich filmach, instalacjach i performance’ach intensyfikuje doświadczenie do możliwego maksimum percepcyjnego. Otrzymał kilkadziesiąt nagród na festiwalach filmowych i przeglądach sztuki na całym świecie.
 Website: www.kohlberger.net

Rites of Fall

to projekt Bartka Kuszewskiego, 23 sierpnia wydał debiutancki album “Towards the Blackest Skies” nakładem nowego labelu Leidforschung. Muzyka Rites of Fall nie jest jednak muzyką tła – jest opowieścią, która wymaga od słuchacza skupienia, wejścia w narrację i dostrzeżenia wszystkich warstw i szczegółów. Wśród gości na płycie pojawili się m.in. Rafał Wawszkiewicz (Merkabah) a za mastering materiału odpowiedzialny był Rafael Anton Irisarri.
Soundcloud: soundcloud.com/ritesoffall

Thomas Ankersmit

to muzyk i artysta dźwiękowy mieszkający w Berlinie. Gra na syntezatorze Serge Modulara, współpracuje z artystami takimi jak Phill Niblock i Valerio Tricoli. Podczas OSA Festival 2019 zaprezentuje materiał pt. „Perceptual Geography” stworzony na syntezatorze modularnym Serge’a, oparty na pionierskich badaniach legendarnej amerykańskiej artyski dźwiękowej Maryanne Amacher (1938-2009). Premiera projektu odbyła się na CTM w Berlinie oraz podczas nocy GRM w Sonic Acts w Amsterdamie, którą The Wire nazwał jedną z głównych atrakcji festiwalu: “Tribute to Maryanne Amacher w wykonaniu Thomas Ankersmit przepływa przez ciebie. Gęste zarośla syren i przenikliwe fale basu aktywują ciało słuchacza, tworząc fantomowe dźwięki jakby prosto z  głowy, sprawiając uczucie, że się ma głośnik w klatce piersiowej.”
Soundcloud: https://soundcloud.com/weerzin

Kali Malone

w swojej solowej pracy implementuje unikalne systemy strojenia w minimalistycznej formie do syntezy analogowej i cyfrowej, często połączone z instrumentami akustycznymi – takimi jak organy piszczałkowe, chór, smyczki i instrumenty dęte. Jej muzyka uzewnętrznia rzadką formę emocjonalnej topografii, odsłaniając transcendencję poprzez kanony izorytmiczne, pokonując wzory interferencyjne i bogate tekstury harmoniczne. Występuje na żywo z artystą wizualnym Rainerem Kohlbergerem, którego radykalne podejście do technologii cyfrowej projekcji wywołuje niespójności wizualne. Poprzez impulsy i fale czystego światła celowe przeciążenie ludzkiego aparatu percepcyjnego prowadzi do wrażeń wizualnych, które pojawiają się wyłącznie w dosłownym „oku patrzącego”. Prace Kali Malone były prezentowane podczas Berlińskiego Festiwalu Atonal, Moogfest, Cafe Oto i Szwedzkim radiu. Od dawna współpracuje z włoską kompozytorką Cateriną Barbieri pod pseudonimem Upper Glossa oraz ze szwedzką kompozytorką i organistką Ellen Arkbro, a także w projekcie dźwiękowym Sorrowing Christ.
Soundcloud: https://soundcloud.com/kali-malone

Norman Leto

to artysta wizualny, filmowiec i pisarz. Działa na pograniczu sztuk wizualnych, kina, filozofii nauki i fabularnej fikcji. W jego praktyce artystycznej mieści się zarówno malarstwo, tworzenie obiektów, instalacji i galeryjnych projekcji wideo, jak i duże formy narracyjne jak film czy powieść.
https://www.youtube.com/watch?v=pP5Xdt-Mn5Y

Deruba

to vj, performer wizualny, autor teledysków ,wizualizacji generatywnych, wykonawca instalacji przestrzennych. Swoje prace prezentował na licznych koncertach i wystawach indywidualnych na całym świecie, m.in. w Centro Nacional de las Artes w Meksyku, Zachęta Narodowa Galeria Sztuki w Warszawie, Parlamencie Europejskim, TVP KULTURA, Państwowa Galeria Sztuki w Sopocie, Brancaleone w Rzymie, Audioriver Festival, Tauron Nowa Muzyka Festival, Intro Festival, Interference Festival, Pałacu Królewskim w Warszawie, Centrum Technologii Audiowizualnych we Wrocławiu i Festiwalu Circle of Light w Moskwie.
Website: www.derubare.com
Vimeo: https://vimeo.com/derubare

Program 2018




OPEN SOURCE ART FESTIVAL / 21-23 września 2018 / Sopot
Open Source Art Festival to międzynarodowy festiwal zaawansowanej muzyki elektronicznej i projektów multimedialnych. Podczas trzech dni wydarzenia wystąpią artyści z USA, Wielkiej Brytanii, Niemiec a także przedstawiciele lokalnej sceny muzycznej. Koncerty i pokazy odbędą się w Państwowej Galerii Sztuki oraz w Klubie Sfinx 700.
Zaproszeni artyści zaprezentują koncerty, instalacje artystyczne, rzeźby interaktywne i pokazy audiowizualne.W tej edycji ważna jest interakcja między człowiekiem, maszyną i naturą, tworząc program ku czci technologicznego postępu i pogłębiającej się alienacji między ludźmi.
Program Open Source Art Festival 2018 powstawał w rytmie maszyny oraz bicia serca człowieka – to także motyw przewodni tegorocznej edycji Festiwalu.
Poster by Design: Project UP / Original artwork by Lisa Stenberg and Lois Nygren.
Karnety

LINE UP

Państwowa Galeria Sztuki Sopot
21.09.2018
Martin Messier / Field
Iona Fortune / AV
Patten / AV
22.09.2018
Silvia Kastel / AV
Astrid Sonne
Croatian Amor / AV
23.09.2017
Lisa Stenberg + Lois Nygren / Monument AV
Valerio Tricoli
Dasha Rush: Territoires Éphémères (stan 1 *)

21-23.09.2018 PGS / Sopot
Robert Sochacki / Wybudzanie Systemu / System awakening interaktywna instalacja świetlna

KLUB SFINKS 21.09.2018
Scena główna:
00.00 DYKTANDO
01.00 LEE GAMBLE - Dj set
02.00 LAUTBILD
03:00 DREN
Fontanna / ORAMICS:
Young Majli
Dogheadsurigeri (Oramics/Mestico)
Monster (Oramics/LOW Kollektiv)

 Projekt jest realizowany ze środków Miasta Sopotu

Lokalizacje:
Państwowa Galeria Sztuki w Sopocie / Klub Sfinx 700
Organizator:
Kolonia Artystów
Współorganizator:
Państwowa Galeria Sztuki w Sopocie
Partnerzy:
Sfinks700
Dwie Zmiany
Lets ART Concept Store
Wsparcie techniczne:
Luminaris. Wsparcie wizualne
Sound Support Pro / Funktion-One (Official)
Patronat medialny:
Czwórka Polskie Radio
Gazeta Wyborcza / Co Jest Grane24
Aktivist
NOTES.NA.6.TYGODNI
Glissando
muno.pl
PROGREFONIK
Nowe idzie od morza
MEAKULTURA.pl
Kinkyowl

DASHA RUSH : Territoires Éphémères (stan 1 *)

Dash Rush - koncepcja ogólna, muzyka, reżyseria, wizualizacje kinowe, choreografia i koncepcja wizualizacji
Valentin Tszin - tancerz, choreografia.
Stanislav Glazov - wizualna treść generatywna, techniczne aspekty konfiguracji wizualnej.
Territoires Éphéres - performans interdyscyplinarny, który łączy w jedną efemeryczną interakcję różne platformy artystyczne, takie jak: sztuka audiowizualna, taniec, wizualizacje generatywne w czasie rzeczywistym, muzykę elektroniczną i poezję abstrakcyjną z elementami teatralnymi.
W przeciwieństwie do innych dzieł, które przypuszczalnie można rozwijać w czasie mają  zdefiniowany kontekst - takie jak malowanie, albumu muzycznego lub filmu Territoires Éphémères badaja ideę sztuki "jetable" (fr) - dzieło sztuki, które żyje "jeden dzień".
Podczas docierania do delikatnych obszarów takich jak: niespójność pamięci, fizyczne i psychiczne tarcia i względność percepcji, idea przedstawienia odnosi się do przejściowej materii audiowizualnej, która nie może być zatrzymana ani zachowana.
Territoire Éphémères można doświadczać tylko w "teraz".

PATTEN

W roku 2017, Patten zjeździło wybrane kluby i festiwale w Wielkiej Brytanii i całej Europie, pokazując swój wysoko-technologiczny, imersyjny, audiowizualny spektakl, łącznie z ich największym koncertem w Londyńskim ICA. Byli ważnym punktem na wielu festiwalach, między innymi Sonar Istanbul, Ars Electronica and Mira Festival. A Era Psi/Requiem zakończyła grudniowa trasa po Japonii.
Patten zrobili soundtrack dla Tate Modern/Topshop, współpracowali z Dummy Magazine pod pseudonimem 555-5555, a także z Danem Snaith'em (Caribou) przy jego albumie Daphni. Opatentowali brzmienia dla firm produkujących oprogramowania audio, prezentowali najnowszą
i jeszcze niepublikowaną muzykę producentów z całego świata w swoich audycjach radiowych w NTS, wydali EP-kę Kaleidoscope, którą nagrali z artystami z całego świata, m.in. Sapphire Slows (Japonia).
https://www.youtube.com/watch?v=uAhxfi6QD88

CROATIAN AMOR / ISA live

Projekt Loke'a Rahbeka – Croatian Amor - realizuje wyraźną i wspaniałą intymną przestrzeń w powolnym tempie zdarzeń współczesnego świata.
Pochodzący z Kopenhagi Rahbek prowadzi wytwórnię Posh Isolation, miejsce inkubacji dla wielu artystów z całej skandynawskiej muzyki eksperymentalnej, w tym wielu swoich współpracowników. W projekcie Croatian Amor zostały ujawnione najważniejsze i najpełniejsze wyobraźni relacje Rahbeka, a wszystko to jest tym cenniejsze dla wielu grup i projektów, które stały się przedmiotem jego szalonego tempa pracy.
Często wykorzystując siatkę prawdziwych wydarzeń i miejsc jako platformę w dużej mierze podobną do snu, Croatian Amor miesza melancholijne motywy, które ewidentnie łączą fikcję i rzeczywistość. Komponując się z pop artefaktami zdarzeń, które przeplatają nasze życie, emocje przeplatane są strumieniem wirtualnej komunikacji i kalejdoskopowych pożądań, aby odkryć nowy romantyczny horyzont. Czasami mówiąc w samotności, choć często opowiadając o spotkaniach, Croatian Amor ożywia pragnienie nieokreślonego uczucia. Wykorzystuje mieszankę rozproszonych tradycji eksperymentalnych, fantastyczne syntetyczne światy, które są przywoływane w kinematografii, aby uczynić ten świat nieco bardziej nadającym się do zamieszkania.
https://croatianamor-alter.bandcamp.com/

LISA STENBERG + LOIS NYGREN

Lisa Stenberg to kompozytorka pochodząca z Luleå (północna Szwecja), mieszkająca w Sztokholmie. W swej twórczości czerpie z muzyki instrumentalnej, elektroakustycznej i elektronicznej, badając wydłużenie trwania dźwięków, przekształcenia i stany ponadczasowe.
Projekt, który zaprezentuje podczas OSA Festival – Monument to audiowizualny koncert dronowy. Skomponowany na analogowo-cyfrowym syntezatorze hybrydowym EMS SYNTHI100. Jest wynikiem intymnego procesu, w którym Lisa dostroiła do instrumentu siebie samą i piękna elektroniki wychodzącej spod jej palców.
https://lisastenberg.comhttps://soundcloud.com/lisa-stenberg

Lois Nygren

Lisa Stenberg współtworzy Monument ze sztokholmską designerką ruchu i VJ Lois Nygren, która pracuje z syntezą wideo i eksperymentalną animacją. Jej praca to fascynujący ekstrakt z ostrej grafiki i zniekształconej grafiki z płynnym ruchem. Lois Nygren jest również członkinią Drömfakulteten, szwedzkiego kolektywu eksperymentatorów, działającego w szerokim spektrum muzyki, wizualizacji i kreatywnych technologii

ASTRID SONNE

Nowy album Astrid Sonne Human Lines brzmi jak kot grający z teorią strun, budując niezliczoną ilość możliwych wszechświatów. Pierwotnie zaczynając od komponowania muzyki elektronicznej, Sonne, dorzuciła do tego symulowane instrumentarium orkiestry w niektórych bardziej ambientowych pasażach. Używa powtórzeń, kontrastów, zniekształceń i pauz które są charakterystyczne w jej najnowszych pracach z kolektywem Copenhagen's Escho (Eric Copeland i Smerz), generując zniekształcone przejścia chóralne, dalekie nuty i inne formy przy użyciu komputera.
Wynik końcowy jest pełen melancholii i spokoju. Od dynamicznych powtórzeń i nakładanie ich na siebie we wstępnym tracku "Also", budując różnorodne przestrzenie, zmieniając chaos naszych wrażeń i strumieni informacji w coś scalonego, wspólnego, dziejącego się bardzo szybko, ale bez beat'u, który jest standardowym wabikiem. Następny utwór "In" jest zmianą tempa, ambient, z samplami - kontrast jest na tyle zaskakujący, że pogrąża słuchacza w oczekiwaniu. To samo jest z "Real", które ma połamane, breakcorowe brzmienie, podczas gdy "Life" jest łagodniejsze i bardziej melodyjne.
https://soundcloud.com/a_sonne

MARTIN MESSIER / FIELD

FIELD zaczyna się od zasady, że dźwięki mogą być generowane z pól elektromagnetycznych wszechobecnych w środowisku. W tym wykonaniu resztkowe sygnały elektryczne, niedostrzegalne dla oczu i uszu, są odbierane przez elektromagnetyczne mikrofony przetworników i stają się materiałem pracy. Chociaż są one nienamacalne, podlegają manipulacji.
Na scenie Martin Messier współdziała z dwoma aluminiowymi panelami z wieloma łączeniami, których wejścia i wyjścia są ze sobą połączone. Kompozycja dźwięku i światła wyłania się poprzez ciągły ruch wkładania i odłączania między panelami - możliwości są nieskończone. Dzięki swoim performatywnym gestom Martin improwizuje konfiguracje audiowizualne, które są podobne, ale nigdy dokładnie takie same. Różnice między przepływem elektromagnetycznym otoczenia a połączeniami wykonanymi przez artystę generują efekt fluktuacji, która stanowi stałą pracy - od jednego wykonania do drugiego.
Messier nadaje materialną formę temu niewidocznym w inny sposób niesłyszalnym przepływom. Staje się operatorem, dzięki któremu praca zostaje aktywowana i przeniesiona do realnego świata. Prawdziwa mimesis prądu elektromagnetycznego, aspekt wizualny może zanurzyć widownię w stan hipnotyczny: wszechobecna, niedostrzegalna moc, która nas otacza, jest tu pozbawiona tajemnicy i ostatecznie wydaje się dostępna także dla nas.
FIELD mówi do niewidzialnych sił wokół nas: ich przewagi i współzależności. Mimo że wchodzą w interakcje na absolutnie niedostrzegalnym poziomie, podporządkowują nasze gesty i ruchy i niosą nas w pewien określony przez artystę sposób. W tym sensie dzieło i artysta spotykają się na wymianie, która określa warunki wizualnych i dźwiękowych elementów przedstawienia: oślepiające błyskawice i przewodzenie elektryczności.

IONA FORTUNE

Syntetyczne linie basu Iony Fortune są lodowcowe i arytmiczne, co grozi nie tylko zaburzeniem każdego źródła światła w promieniu kilku kilometrów, ale też wstrząśnie wewnętrznie każdą osobą znajdującą się w sali. Wprowadzi nas w potężne i dezorientujące niziny, które w połączeniu z nakładanymi na nie samplami chińskiej cytry dzwonią i mnożą się w doskonałej przejrzystości nad mięsistym basem.
Fortune zagra kompozycje z jej pierwszego albumu, Tao of I, pierwszego z serii ośmiu eksploracji "symboli I-Ching", które oscylują wokół tematyki na skalę prac Fuck Buttons i Stars of the Lid.
https://soundcloud.com/ionafortune

SILVIA KASTEL

Air Lows to debiutancki solowy album Silvi Kastel. Włoska artystka związała się z undergroundem już jako nastolatka, długi czas związana w z Ninni Morgia, w projekcie Control Unit (“It’s like Catherine Deneuve dumped two cases of post-Repulsion psychiatric notes over Pere Ubu’s Dub Housing, lit the fuse and, ahem, stood well back” – Julian Cope"), włączając współpracę z Smegma, Factix, Gary Smith, Aki Onda i Gate (Michael Morley, The Dead C). Jej wytwórnia, Ultramarine, wydawała wielu artystów, między innymi Raymonda Dijkstra, Blood Stereo i Bene Gesserit.
Niezależnie od tego czy solo czy też we współpracy z innymi, Kastel odkrywała zewnętrzne limity i wewnętrzne funcjonowania no wave'u, industrialu, dubu, ekstremalnej elektroniki, free rock'a i improwizacji. Air Lows - wydany na kasecie Love Tape (2011),
Voice Studies 20 (2015) i The Gap (2016) - jest jej najbardziej dopracowanym i równocześnie wyrafinowanym kawałem żywej, wyizolowanej elektroniki, która mocno czerpie z jej doświadczeń z przeszłości, jednocześnie przełamując granice i budując nowe podłoże i możliwości.
https://blackesteverblack.bandcamp.com/album/air-lowshttps://soundcloud.com/silviakastel

VALERIO TRICOLI

Valerio Tricoli urodził się we włoskim Palermo. Używa  analogowych elektronicznych urządzeń, używa  instrumentów analogowychi. Pracuje jako kompozytor muzyczny, improwizator, twórca instalacji dźwiękowych. Działa również jako producent muzyczny, kurator oraz inżynier dźwięku. Jego kompozycje łączą muzykę konkretną z konceptualnymi formami dźwięku, takimi jak, radykalne zainteresowanie w rzeczywistość, wirtualność i pamięć.
Valerio Tricoli jest włoskim muzykiem i rzeźbiarzem dźwiękowym, który tworzy muzykę z rozmaitych dźwięków, posiłkując się analogowymi instrumentami elektronicznymi oraz taśmami. Zestaw sprzętu podczas jego występów zależy od przestrzeni, ale efektem jest zawsze fascynująca mieszanka muzyki konkretnej i elektroakustyki, którą tak dobrze oddaje wyczerpujący i pełen napięcia album „Miseri Lares” wydany niedawno w PAN.
Podczas OSA Festival 2018 zaprezentuje najnowszy materiał improwizowany złożony analogowych  instrumentów elektronicznych oraz taśm audio.

Paweł Kulczyński

Paweł Kulczyński
Dreaming of Grandiosity, 2018, installation audio21-23.09.2018 / Państwowa Galeria Sztuki 

Potrzeba bycia rozumianym, podziwianym, bądź choćby dostrzeganym dotyczy każdej osoby zajmującej się działalnością twórczą, nieliczne wyjątki służą raczej tłumieniu tych potrzeb w celu obrony przed frustracją, liczeniu na "przyszłe pokolenia" bądź strategii wyparcia i kontestacji jako metody budowania osobowości i PR.
Dołóżmy do tego aspekt ekonomiczny i otrzymujemy miksturę o potencjale powodowania niestabilności psychicznej, gdyż zaspokojone ego, przepastny portfel i realizacja artystyczna rzadko występują razem. Większość powodów jest niezależna od twórców, a wybór podobnej drogi zdaje się często prowadzić do społecznej marginalizacji.
Powstaje pytanie, co popycha do podjęcia zwykle nieuświadomionego ryzyka do życia na przekór normom i aktywności, na polu której jedynie nikły procent zbiera laury i większość działa z niedostatkiem rozpoznania, a czasem wręcz na granicy przetrwania.
"Money" Pink Floyd jest (niestety) pierwszym kojarzonym przeze mnie utworem - miałem kilka lat, trzymany na rękach przez ojca włączałem magnetofon i dobywały się przedziwne dźwięki. Do wczesnych lat nastoletnich płyta go zawierająca była dla mnie modelem i dążeniem, uczyłem się solówek, marzyłem o wielkich scenach, ale też fascynowała mnie jej złożoność formalna.
W mojej pracy elektroakustyczny cover "Money" z tytułowym wyrazem wykrzykiwanym przez muzyków polskiej sceny niezależnej odtwarzany jest z bardzo dużą głośnością, jednak dźwięk kotłuje się wewnątrz obiektu imitującego przeskalowaną złotą kostkę do gry z wmontowanymi wewnątrz scenicznymi głośnikami, tym samym cały wysiłek i energia są bezowocnie trwonione.
PK
https://soundcloud.com/pawel-kulczynski/dreaming-of-grandiosity-2018-installation-audio

DOGHEADSURIGERI

Dogheadsurigeri (Oramics/Mestico) – w jej miksach dodatnia nielinearność rozsadza maszyny. Słychać jęki cyklonicznych torsji. Dogheadsurigeri jest również 1/5  warszawskiego kolektywu MESTIÇO, który zajmuje się wprowadzaniem nowych brzmień i undergroundowej estetyki klubowej na polską scenę.

ORAMICS

ORAMICS to projekt, którym chcemy wzmocnić pozycję kobiet w muzyce elektronicznej. Naszym celem jest wspieranie grających i tworzących muzykę dziewczyn, stworzenie przyjaznej sceny w Polsce i Europie. Budujemy zachęcające środowisko zarówno dla tych kobiet, które są doświadczone jak i tych, które zaczynają swoją drogę i wspieramy je w tym procesie. Tworzymy platformę, dzięki której publiczność bliżej pozna grające dziewczyny i zwróci uwagę na ich talent, a niekoniecznie płeć. Chcemy promować kobiety zdolne i wyjątkowe, ale zamierzamy też służyć pomocą merytoryczną i praktyczną osobom dopiero zaczynającym swoją przygodę z muzyką. Oramics, jest to projekt tworzony przez kobiety dla kobiet, jednak przy współpracy i nieocenionym wsparciu wielu przedstawicieli płci przeciwnej, dla których temat jest równie istotny. Ważną częścią naszej działalności jest również wspieranie innych środowisk, które nie mają tak silnej reprezentacji, lub którym z różnych powodów może być ciężej, czyli artystów/artystek LGBTQ, różnego pochodzenia etnicznego czy koloru skóry. Poza działalnością internetową tworzymy serię wydarzeń klubowych i koncertowych, prezentując najciekawsze artystki polskiej sceny (kontynuacja projektu ekipy Behind The Stage – BTS Female Edition), serię podcastów związanych z wyżej wymienionymi środowiskami oraz organizujemy warsztaty.
Kilka słów o nas, o tym dlaczego to robimy możecie przeczytać w wywiadzie, którego udzieliłyśmy dla Dwutygodnika:
http://www.dwutygodnik.com/artykul/7569-dziewczyny-ogarniaja.html

MONSTER

Monster (Oramics/LOW Kollektiv) zaczęła didżejować ponad 10 lat temu, głównie na poznańskim skłocie Rozbrat. W 2017 roku założyła LOW Kollektiv, z którym występuje w różnych klubach w Poznaniu i innych miastach. Na początku 2018 r. organizowała konkurs dla początkujących didżejek, a sama została zwyciężczynią konkursu didżejskiego festiwalu Wooded City, gdzie wystąpiła w czerwcu br. Ma obsesję na punkcie acid i chicago house, jak również old-schoolowego techno..

 

YOUNG MAJLI

Young Majli, czyli Marta Malinowska, to ciągłe poszukiwanie groove’u, tańca i basu oraz miłośniczka nieoczywistych rytmów, dlatego chętnie sięga do gqomu, kuduro czy raggaetonu. Jako DJka od kilku lat popularyzuje nowe klubowe brzmienia, a większość jej artystycznych i promotorskich aktywności związana jest z wrocławskim kolektywem regime brigade. Głównym obszarem jej zawodowej działalności jest radio – aktualnie prowadzi audycję na antenie Trójki.

OSA 2017 / spot wieo

OSA Festival 2017 - trailer from Kolonia Artystów on Vimeo.

Program 2017


OSA Festival 2017 

22.09.2017 / piątek / friday 
21:00 JULIEN BAYLE
22:00 JOSHUA SABIN
23:00 SHXCXCHCXSH + PEDRO MAIA

23.09.2017 / sobota / saturday 
21:00 MIRAM BLEU 
22:00 YVES DE MEY
23:00 ROLY PORTER + MFO

24.09.2017 / niedziela / sunday
21:00 GÀBOR LÀZÀR
22:00 CATERINA BARBIERI

Bilety jednodniowe będą dostępne w dniu koncertów, w Państwowej Galerii Sztuki od 20:00 w cenie 30 pln

Lokalizacje:
Państwowa Galeria Sztuki w Sopocie / Plac Zdrojowy 2
Teatr na Plaży / Al. Mamuszki 2

Organizator:
Kolonia Artystów

Współorganizator:
Państwowa Galeria Sztuki

Partnerzy:
Teatr na Plaży
Dwie Zmiany
Lets ART Concept Store

Patronat medialny:
Gazeta Wyborcza
Aktivist
Magazyn Szum
Glissando
Nowe idzie od morza
NOTES.NA.6.TYGODNI
muno.pl
PROGREFONIK
Nowamuzyka.pl
Going.

Wsparcie techniczne:
MOOV
Luminaris. Wsparcie wizualne
Sound Support Pro / Funktion-One (Official)

Projekt jest realizowany ze środków Miasta Sopot

OSA 2017


VII edycja Open Source Art Festival odbędzie się w dniach 22-24.09.2017
Miejsca: Państwowa Galeria Sztuki w Sopocie / Teatr na Plaży
Organizator: Kolonia Artystów
„OŚWIECENIA NIE DOZNAJEMY GDY BADAMY ŚWIATO,
LECZ GDY UŚWIADAMIAMY SOBIE ISTNIENIE CIEMNOŚCI”.
C.G.JUNG
Ten cytat zainspirował organizatorów i stał się myślą przewodnią programu VII edycji Open Source Art Festival, który ma na celu prezentację najciekawszych projektów audiowizualnych oraz instalacji artystycznych, które traktują światło i ciemność, jako narzędzie krytyczne, pozwalające uchwycić i wyrazić najważniejsze przemiany dokonujące się we współczesnym świecie. Światło będzie pełnić funkcję przejścia między tym, co rzeczywiste i wirtualne. Ciemność będzie odbijać nasze pragnienia i deformować, przekształcać nasze odczucie rzeczywistości. We współczesnym świecie oba wymiary mieszają się i przenikają, tworząc nowy typ rzeczywistości hybrydowej. Przestrzeń Państwowej Galerii Sztuki w Sopocie jest doskonałym miejscem do kontemplacji źródłowych dźwięków zaroszonych artystów.
Dodatkowo ramach 7 edycji zaprezentujemy w Teatrze na Plaży – Art Installation02 – wielowymiarowa instalacja multimedialna Rainera Kohlbergera w formie dwu-kanałowej projekcji i kwadrofonicznej konstrukcji dźwiękowej. Wszystkie wydarzenia projektu stanowią program o najpełniejszym, wieloaspektowym spojrzeniu na wizualność / światło / ciemność oraz możliwości jego użycia.
Open Source Art Festival 2017 to międzynarodowy, trzydniowy festiwal muzyki elektronicznej i eksperymentalnej. Dzięki występom międzynarodowych artystów, OSA Festival po 6 edycjach stał się rozpoznawalny na mapie najważniejszych wydarzeń w Europie i przyciąga co roku coraz większe grono miłośników muzyki eksperymentalnej i znawców sztuki współczesnej oraz ruchomego obrazu z całej Europy. Motywem przewodnim VII edycji festiwalu będzie Światło i Ciemność. Jest to kontynuacja zagadnienia poruszonego w roku 2016. Muzycy zaprezentują pokazy audiowizualne oparte na połączeniu dźwięku ze światłem i ciemnością.
Zaproszeni kompozytorzy w swoich pracach posługują się światłem i czynią to w twórczy i innowacyjny sposób. Technologicznej zręczności towarzyszy świadomość estetycznego i krytycznego potencjału nowych mediów, które pozwalają nie tylko przekroczyć granice gatunkowe i stylistyczne, ale także rozświetlić sztukę i muzykę na nowe znaczenia.
Festiwal od 6 lat odbywa się dzięki wsparciu finansowemu Miasta Sopot. 
Organizatorem wydarzenia jest Kolonia Artystów.
Współorganizator: Państwowa Galeria Sztuki w Sopocie.

RAINER KOHLBERGER

Rainer Kohlberger jest austriackim niezależnym artystą wizualnym i producentem filmów mieszkającym w Berlinie. Jego twórczość opiera się przede wszystkim na kompozycjach algorytmicznych z estetyką redukcjonistyczną zmieniającą się pod wpływem płaskości i ingerencji. W swoich dziełach zawsze tworzy warstwę hałasu, która fascynuje poczuciem nieskończoności, która jest zarówno ostateczną abstrakcją, jak i przerywaną rozmytą kontynuacją poprzedniej sekwencji. Jego filmy, instalacje i występy na żywo były pokazane na arenie międzynarodowej na festiwalach, w galeriach sztuki współczesnej na całym świecie.
Kompozycje audiowizualne Rainera Kohlbergera to zawsze intensywne oddziaływanie na ludzki system percepcji, który powstrzymuje się całkowicie od wszelkiego rodzaju reprezentatywności i referencyjności, ani motywów fotograficznych, ani komputerowo generowanych w swoich pracach algorytmicznych. To, co wiąże go w kategoriach intelektualnej historii z awangardowymi ruchami dwudziestego wieku to ciągłe poszukiwanie punktu zerowego. Żadne filmy nie spotykają się z siatkówką, ale z impulsami i falami czystego światła. Skrajnie ciemne interwały zmieniają się nieustannie, kulminują w czarno-białą burzę stroboskopową. Zjawiska duchowe stają się manifestacją w cyfrowym wymiarze.
Wielowymiarowa instalacja multimedialna Rainera Kohlbergera w formie 3-ekranowej projekcji i kwadrofonicznej konstrukcji dźwiękowej będzie multimedialnym dopełnieniem programu tegorocznej edycji festiwalu OSA w Sopocie.

YVES DE MEY

Mieszkający w Antwerpii muzyk i rzeźbiarz dźwięku, prezentuje nowy set, który opiera się na najnowyszym wydaniu „Spectrum Spools/eMego”. Jego trzeci album solowy zawiera utwory nagrane przy pierwszym podejściu na jednej ścieżce dźwiękowej. Performance de Meya pozwalają na nakładanie nowych warstw, syntezowanie i wzmacnianie rytmu jego utworów. Yves pracuje między szczególnie wybranymi dźwiękami otoczenia, abstrakcyjnymi konstrukcjami rytmicznymi, techno, hałasem oraz łączeniem wpływów i łamaniem zasad gatunku. Znany jest ze swojej niezwykłej zdolności do budowania napięcia. Zręczność i fachowość pozwalają mu na zmienianie ustawień oraz klimatu swoich performance’ów. 

SHXCXCHCXSH + PEDRO MAIA

SHXCXCHCXSH to szwedzki duet techno, ukrywający się pod tajemniczą nazwą i zamaskowanymi występami. Pojawili się na scenie w 2012 roku, wydając EP w takich wytwórniach jak Subsist czy Hem, ale to dopiero EP zatytułowane ‘RJRJRFFRJRJ’ wydane na łamach Avian przyniosło im sławę w świecie mrocznego techno. 
Pedro Maia to twórca filmowy pochodzący z Portugalii, obecnie mieszkający w Berlinie, którego prace zostały zaprezentowane na wielu festiwalach filmowych oraz w takich galeriach jak like Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, Split Film Festival, Rencontres Internationales, Armenian Center for Contemporary Experimental Art, MACBA Barcelona, Museum of Contemporary Art Tokyo. Od 2004 kultywuje koncept live- cinema, polegający na manipulacji obrazami w czasie rzeczywistym w akompaniamencie dźwięku. Współpracował z muzykami: Panda Bear, Lee Ranaldo, Fennesz, Jacaszek, Demdike Stare, Pole, Shackleton, Tropic of Cancer, Craig Leon oraz występował na festiwalach: Serralves Contemporary Art Museum, CA2M Madrid, Sonar Festival, Unsound Festival Kraków/NY, All Tomorrow’s Party, Mutek

ROLY PORTER + MFO ‘THIRD LAW’

Roly Porter znany jest jako producent zasilający szeregi brytyjskiego dubstepowego duetu nagrywającego dla Planet Mu – Vex’d. W pojedynkę zaś jawi się jako wirtuoz dronów i muzyki ilustracyjnej. Według krytyków Rolling Stone jest na top liście Artystów, których powinnaś / powinieneś znać. Projekt, który zaprezentuje w Sopocie ‘Third Law’ – przedstawia Portera jako wolnego od konceptu rytmu, basu i projektowania dźwięku, w jego własnym świecie, w którym nie musi kształtować żadnych z tych elementów, by wpasować się w tendencyjne idee i zasady. Występy sceniczne ‘Third Law’ umożliwiają słuchaczom to doświadczenie. Przemieniają miejsce koncertu za pomocą intensywnych dźwięków, obrazów, świateł stroboskopowych i dymu scenicznego. Wizualnie rozpoczynają się jako podróż przez prototypowe krajobrazy, pozornie nieskończone sfery, które stają się coraz bardziej surrealistyczne. Obrazy są stale przekształcane w iluzję, która jest wzmagana efektami świetlnymi. W momencie szczytowym hałas i agresywne rytmy łączą się z jednolitą stymulacją oślepiającego światła. ‘Third Law’ jest kolaboracją Roly
Portera oraz MarcelaWebera (MFO). 

MYRIAM BLEAU

Artystka i kompozytorka z Montrealu, gra na wiolonczeli, gitarze i pianinie. Obecnie pracuje nad pracą magisterską z kompozycji na Uniwersytecie w Montrealu, na którym rolę jej doradcy pełni Nicolas Bernier, muzyk, performer i kompozytor.
Podczas OSA Festival 2017 Myriam przedstawi publiczności projekt ‘Soft Revolvers’ – audiowizualny performance czterech przędz stworzonych przez artystkę z akrylu. Każda z przędz związana jest z „instrumentem” w kompozycji elektronicznej, a dane zebrane przez sensory znajdujące się wewnątrz formują muzyczny algorytm. Interfejsy silnie oddziałują na gramofony. Diody umieszczone wewnątrz zaprojektowanych przez Myriam Bleau elementów emitują światło będące w kontrapunkcie do muzyki, tworząc tym samym wspaniałe ‚spinning hallos’. Soft Revolvers zostało stworzone przez Bleau, której twórczość cechuje się minimalistycznym podejściem do elektronicznej muzyki. Bleau do swoich prac przemyca elementy hip hopu i popu. „Wielu ludzi myśli, że muzyka eksperymentalna nie ma stałego rytmu. Jest tradycja klasycznej muzyki elektronicznej, która sprzeciwia się rytmowi 4/4. Bawiąc się konwencjami popularnych gatunków muzycznych, Bleau stara się łączyć ze sobą te elementy. Rytm w Soft Revolvers rozpływa się przechodząc w inny. Beat opuszcza cię w napięciu, tworząc sceny i płaszczyzny dźwiękowe.

JOSHUA SABIN

To szkocki producent muzyczny, działający w Edynburgu. Jego debiutancki album „Terminus Drift” wydany przez Subtext bada relacje ludzi ze środowiskiem i przestrzenią, oraz sposób, w jaki wzbogacają nas one w erze cyfryzacji. Nasze struktury komunikacji, poszukiwań i odkrywania są uzależnione od zmian technologicznych i istnieją równocześnie między naszym środowiskiem a cyberprzestrzenią. Percepcja obu miesza się w sferze ich ucieleśniania i orientacji. Syreny rozbrzmiewające w tunelach stacji, harmoniczne wahania silników metra, przenikliwe krzyki pól elektromagnetycznych. Materiał dźwiękowy prac Sabina pochodzi wyłącznie z nagrań terenowych przechwyconych w Kyoto, Tokio i Berlinie, stanowiących dodatek do nagrań pól elektromagnetycznych z Glasgow i Edynburga. Poprzez zbadanie właściwości dźwiękowych naszego fizycznego otoczenia, Sabin tworzy dźwiękowy krajobraz tych dualistycznie nawigowanych „cyberprzestrzeni”, które przejściowo tworzymy i po których się przemieszczamy wchodząc w interakcje ze światem.

JULIEN BAYLE

Jest artystą multidyscyplinarnym tworzącym we Francji, skupiającym się na sferze dźwięku i wizualizacji. Łączy sztukę wizualną, komponowanie dźwiękowe, fizyczne podejście do sztuki dźwiękowej i wizualizacji danych przez tworzenie zaawansowanych instalazji oraz audio/wizualnych performance’ów. Próbuje rozwiązać problem przerwanego kontinuum, ingerencji i reprezentacji przez użycie fizyki dźwięku. Jego twórczość oparta jest na eksperymentach i programowaniu. Używa koncepcji złożoności i chaosu. Przedstawia świat nasycony informacjami często pozbawionymi sensu oraz skomplikowanie społeczeństw przez pozytywny nihilizm, dekonstrukcję procesów, struktur i wyników. Występował na żywo w międzynarodowych festiwalach, takich jak ELEKTRA w Kanadzie, czy sound:frame w Austrii. Wystawiał swoje prace w wielu Europejskich galeriach. Jest nauczycielem sztuki, a na zaproszenia europejskich szkół artystycznych prowadzi zaawansowane kursy dotyczące technologii w tworzeniu nowych mediów. Współpracuje z wytwórnią artystyczną Bordille Records wraz z Franćoisem Larinim i Yatra Arts. 
Podczas OSA Festival 2017 zaprezentuje audiowizualny performance ‘ALPHA’. Chcąc przesunąć granicę performance’u, Bayle przedstawia systemem generowania dźwięku i obrazu ALHPA. ALPHA zaprojektowana jest ze świadomością, iż musi pozwolić performerowi na przestrzeń do improwizacji oraz do stworzenia możliwości skupienia się na warstwie dźwiękowej i wizualnej, nie na aspektach technicznych. Jej system wizualizacji zapewnia także doskonałe narzędzie do dalszego tworzenia minimalistycznej i zimnej estetyki bez użycia już wcześniej nagranego materiału. W rzeczywistości system generuje pierwotne formy wizualne, które można łączyć i zmieniać w nieskończoność, stale analizuje dźwięk i potrafi reagować, generując nowe formy lub zmieniając już wygenerowane. Pozwala publiczności zanurzyć się w zwarty i minimalistyczny świat dźwięków i form, rozszerzając polimorficzne i radykalne badania Juliena Bayle’a na nowe obszary, gdzie dźwięki i formy łączą się w gęstą i ciężką materię. Na zmianę pokazywane są kształty geometryczne, wiążące się z radykalnym postmodernizmem lub trwałą erozją struktury związanej z brutalistyczną architekturą. ALPHA to prawdziwe doświadczenie audiowizualne, które przesuwa granice radykalnej estetyki.



GÀBOR LÀZÀR

Po wydaniu materiału wspólnie z Russelem Haswellem pierwszy autorski album Lazara „ILS” przetarł mu szlak do wydawnictwa Lorenzo Senni, by następnie umożliwić mu przyłączenie się do The Death Of Rave i wydanie płyty „EP16″, która znalazła się na 8 miejscu Boomkat Top 100 Singles. Muzyka Lazara została opisana jako „wspaniała i właściwie całkiem odjechana” przez The Guardian oraz przedstawiona przez Secret Thirteen jako „wymagający, dynamiczny i matematyczny styl wahający się między ekstremalnym akademizmem, a pewnego rodzaju rozsądnym muzycznym barbarzyństwem. Gabor obecnie buduję przyszłość muzyki elektronicznej”. W 2014 Lazar rozpoczął współpracę z Markiem Fellem i wydał album „The Neurobiology Of Moral Decision Making”. W roku 2015 znalazł się na 11 miejscu 20 Best Avant Albums magazynu Rolling Stone oraz na 3 miejscu Boomkat’s Favourite 100 Albums of the Year. Norbergfestival uznał go za „jeden z najbardziej uznanych albumów eksperymentalnych poprzednich lat”, zaś Norman Records za „najbardziej radykalnie tworzoną rytmiczną elektronikę”.
Subskrybuj: Posty (Atom)